El estudio de grabación es el entorno de trabajo más común para los músicos de la actualidad, incluso arreglistas orquestales. Entender la dinámica de trabajo en un estudio de grabación permite al arreglista adaptarse y apoyar el proceso creativo de otro artista o banda. Dicha adaptación le ayuda a brindar los resultados sonoros esperados, y así, mantenerse activo y vigente en la industria musical moderna.

En la actualidad, los estudios de grabación caseros condensan una gran cantidad de herramientas en un espacio reducido. Muchos de los antiguos y sofisticados equipos de grabación han sido sustituidos por una computadora personal y un software de producción musical tales como Cubase, Pro Tools, Ableton, Logic, Reason, entre otros. De igual forma, en vez del ejército de músicos de grabación, en la actualidad contamos con una enorme variedad de librerías y samples de sonidos de todo tipo, eficaces para la creación de obras en casi cualquier género musical solo con un controlador y una batería MIDI. Entre las librerías de música orquestal más utilizadas al día de hoy tenemos Native Instruments, Steinberg Absolute, Viena Symphony, Albion Series, Metropolis ARK, Audio Jaeger, Cinematic Studio, entre otras.

Sin importar el tipo de ambiente de grabación que usemos o al que estemos acostumbrados, todo arreglista se beneficia de la capacidad de escoger sus instrumentos de entre la más amplia variedad posible. En vez de limitarse a los cuatro instrumentos de una banda de Rock convencional, podemos aumentar la calidad sonora del arreglo incluyendo cuerdas, maderas, metales, voces de fondo, entre otros sonidos según nuestras necesidades. Por ejemplo, si deseamos endulzar el sonido del arreglo, podemos agregar una sección de cuerdas; si queremos algo más “místico” o incluso “esotérico”, podemos buscar instrumentos étnicos o no tradicionales; incluso, podemos experimentar con combinaciones inusuales de instrumentos comunes. En la experimentación radica la obtención de numerosas combinaciones instrumentales.

En el mundo de la música Pop, el papel del arreglista es a menudo tomado por el productor. En todo caso, el productor es el responsable del sonido final de un álbum o producción, así que un productor-arreglista puede tomar mayor control sobre el proceso. Lo anterior no quiere decir que no exista lugar en el mundo de la música Pop para los arreglistas más tradicionales. Con frecuencia, se requiere contratar arreglistas especializados para crear fondos orquestales para canciones específicas.

Cuando se trabaja con músicos de géneros como el Pop y el Rock, es preciso estar preparado para algunos arreglos o formas de trabajo inusuales. Lo anterior se debe a que una gran cantidad de músicos en ese entorno posiblemente no contarán con una educación tradicional de conservatorio; algunos incluso quizá no sepan leer música. Por este motivo los músicos suelen usar términos no musicales para describir los resultados sonoros que esperan obtener del arreglo; en este caso, el arreglista debe ser capaz de entender los requerimientos y obtener los sonidos que ellos necesitan.

Incluso, cuando las instrucciones se traduzcan en un arreglo formal, el arreglista debe estar preparado para los cambios. El proceso de grabación es largo e interactivo, lo que significa que presenta la tendencia a cambiar a lo largo del tiempo. Un arreglista puede llegar al estudio y descubrir que el artista o la banda han añadido un verso, o cambiado los acordes del coro o incluso eliminado por completo una sección. El arreglista debe ser capaz de seguir el flujo de trabajo, revisar y rehacer los arreglos conforme sea necesario. Es trabajo del arreglista apoyar y servir al proceso creativo de otros artistas, lo que requiere mucha flexibilidad.

Algunos productores y artistas prefieren escuchar el arreglo antes de entrar al estudio, lo que significa crear una maqueta en algún software como Cubase, o incluso en editores de partituras como Finale, Sibelius o Dorico. Por este motivo, es recomendable escribir los arreglos y también crearlos en un secuenciador usando alguna librería virtual de buena calidad. De esta forma las demás personas pueden escuchar el arreglo con un sonido realista, y al mismo tiempo seguir la música en la partitura, incluso cuando no sepan leerla totalmente.

Otro beneficio de usar librerías para la creación de arreglos es que permite al arreglista escuchar la música que está escribiendo. Por ejemplo, si el arreglista piensa que agregar un trombón en una sección del arreglo puede dar buenos resultados, solo tiene que escribirlo y escuchar. Claro, el resultado no será exactamente igual al de una interpretación real, pero dependiendo de la calidad de la librería ofrece una aproximación lo suficientemente realista para corresponder con la interpretación en vivo. Si la idea no resulta satisfactoria, el arreglista puede hacer los cambios necesarios, sin esperar a tener las partituras impresas ni pedirle a un instrumentista que cambie las notas.

Keynotes

• Entre las librerías de música orquestal más utilizadas al día de hoy tenemos Native Instruments, Steinberg Absolute, Viena Symphony, Albion Series, Metropolis ARK, Audio Jaeger, Cinematic Studio, entre otras.
  
• Los músicos no académicos suelen usar términos no musicales para describir los resultados sonoros que esperan obtener del arreglo
  
• El proceso de grabación es largo e interactivo, lo que significa que presenta la tendencia a cambiar a lo largo del tiempo.
  

Reto

Entrevista a dos arreglistas o compositores familiarizados con el flujo de trabajo en un estudio de grabación. Pregúntales cómo es el proceso de creación de arreglos y cuáles son los factores influyentes en el resultado final.

Tiempo disponible: 30 minutos.

Conclusión 

El entorno de trabajo es un factor influyente en los resultados sonoros ofrecidos por un arreglista en particular. El estudio de grabación posee una dinámica propia que, cuando el arreglista la conoce y sigue, es capaz de producir resultados sonoros increíbles.