El estudio de grabación es el entorno de trabajo más
común para los músicos de la actualidad, incluso arreglistas orquestales.
Entender la dinámica de trabajo en un estudio de grabación permite al
arreglista adaptarse y apoyar el proceso creativo de otro artista o banda.
Dicha adaptación le ayuda a brindar los resultados sonoros esperados, y así,
mantenerse activo y vigente en la industria musical moderna.
En la actualidad, los estudios de
grabación caseros condensan una gran cantidad de herramientas en un espacio
reducido. Muchos de los antiguos y sofisticados equipos de grabación han sido
sustituidos por una computadora personal y un software de producción musical
tales como Cubase, Pro Tools, Ableton, Logic, Reason, entre otros. De igual
forma, en vez del ejército de músicos de grabación, en la actualidad contamos
con una enorme variedad de librerías y samples de sonidos de todo tipo,
eficaces para la creación de obras en casi cualquier género musical solo con un
controlador y una batería MIDI. Entre las librerías de música orquestal más
utilizadas al día de hoy tenemos Native Instruments, Steinberg Absolute, Viena
Symphony, Albion Series, Metropolis ARK, Audio Jaeger, Cinematic Studio, entre
otras.
Sin importar el tipo de ambiente de
grabación que usemos o al que estemos acostumbrados, todo arreglista se
beneficia de la capacidad de escoger sus instrumentos de entre la más amplia
variedad posible. En vez de limitarse a los cuatro instrumentos de una banda de
Rock convencional, podemos aumentar la calidad sonora del arreglo incluyendo
cuerdas, maderas, metales, voces de fondo, entre otros sonidos según nuestras
necesidades. Por ejemplo, si deseamos endulzar el sonido del arreglo, podemos
agregar una sección de cuerdas; si queremos algo más “místico” o incluso
“esotérico”, podemos buscar instrumentos étnicos o no tradicionales; incluso,
podemos experimentar con combinaciones inusuales de instrumentos comunes. En la
experimentación radica la obtención de numerosas combinaciones instrumentales.
En el mundo de la música Pop, el
papel del arreglista es a menudo tomado por el productor. En todo caso, el
productor es el responsable del sonido final de un álbum o producción, así que
un productor-arreglista puede tomar mayor control sobre el proceso. Lo anterior
no quiere decir que no exista lugar en el mundo de la música Pop para los
arreglistas más tradicionales. Con frecuencia, se requiere contratar
arreglistas especializados para crear fondos orquestales para canciones
específicas.
Cuando se trabaja con músicos de
géneros como el Pop y el Rock, es preciso estar preparado para algunos arreglos
o formas de trabajo inusuales. Lo anterior se debe a que una gran cantidad de
músicos en ese entorno posiblemente no contarán con una educación tradicional
de conservatorio; algunos incluso quizá no sepan leer música. Por este motivo
los músicos suelen usar términos no musicales para describir los resultados
sonoros que esperan obtener del arreglo; en este caso, el arreglista debe ser
capaz de entender los requerimientos y obtener los sonidos que ellos necesitan.
Incluso, cuando las instrucciones se
traduzcan en un arreglo formal, el arreglista debe estar preparado para los
cambios. El proceso de grabación es largo e interactivo, lo que significa que
presenta la tendencia a cambiar a lo largo del tiempo. Un arreglista puede
llegar al estudio y descubrir que el artista o la banda han añadido un verso, o
cambiado los acordes del coro o incluso eliminado por completo una sección. El
arreglista debe ser capaz de seguir el flujo de trabajo, revisar y rehacer los
arreglos conforme sea necesario. Es trabajo del arreglista apoyar y servir al
proceso creativo de otros artistas, lo que requiere mucha flexibilidad.
Algunos productores y artistas
prefieren escuchar el arreglo antes de entrar al estudio, lo que significa
crear una maqueta en algún software como Cubase, o incluso en editores de
partituras como Finale, Sibelius o Dorico. Por este motivo, es recomendable
escribir los arreglos y también crearlos en un secuenciador usando alguna
librería virtual de buena calidad. De esta forma las demás personas pueden
escuchar el arreglo con un sonido realista, y al mismo tiempo seguir la música
en la partitura, incluso cuando no sepan leerla totalmente.
Otro beneficio de usar librerías para
la creación de arreglos es que permite al arreglista escuchar la música que
está escribiendo. Por ejemplo, si el arreglista piensa que agregar un trombón
en una sección del arreglo puede dar buenos resultados, solo tiene que
escribirlo y escuchar. Claro, el resultado no será exactamente igual al de una
interpretación real, pero dependiendo de la calidad de la librería ofrece una
aproximación lo suficientemente realista para corresponder con la
interpretación en vivo. Si la idea no resulta satisfactoria, el arreglista
puede hacer los cambios necesarios, sin esperar a tener las partituras impresas
ni pedirle a un instrumentista que cambie las notas.
Keynotes
- Entre las librerías de música orquestal más utilizadas al día de hoy tenemos Native Instruments, Steinberg Absolute, Viena Symphony, Albion Series, Metropolis ARK, Audio Jaeger, Cinematic Studio, entre otras.
- Los músicos no académicos suelen usar términos no musicales para describir los resultados sonoros que esperan obtener del arreglo
- El proceso de grabación es largo e interactivo, lo que significa que presenta la tendencia a cambiar a lo largo del tiempo.
Reto
Entrevista a dos arreglistas o compositores
familiarizados con el flujo de trabajo en un estudio de grabación. Pregúntales
cómo es el proceso de creación de arreglos y cuáles son los factores
influyentes en el resultado final.
Tiempo disponible: 30 minutos.
Conclusión
El entorno de trabajo es un factor
influyente en los resultados sonoros ofrecidos por un arreglista en particular.
El estudio de grabación posee una dinámica propia que, cuando el arreglista la
conoce y sigue, es capaz de producir resultados sonoros increíbles.
